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FR.
L’exposition aborde l’œuvre de Fabienne Verdier de manière inédite et en regard des tableaux des grands maîtres du Musée Unterlinden. Elle témoigne de la rencontre de l’artiste entre 2019 et 2022 avec les chefs-d’oeuvre du musée, dont le Retable d’Issenheim (1512-1516).
Envisagée en deux temps, l’exposition montre d’abord une sélection de tableaux significatifs de l’artiste, peints entre 2006 et 2018, en dialogue avec un choix d’oeuvres d’art ancien et moderne. Elle se poursuit dans la salle d’exposition de l’Ackerhof, présentant l’installation monumentale Rainbows (76 toiles) et le Grand Vortex d’Unterlinden (polyptyque). Réalisée dans le contexte de la pandémie de 2020, Fabienne Verdier y compare notre fin de vie à celle des étoiles : figurant l’aura lumineuse produite par la disparition des astres, elle y aborde la représentation de la mort comme une énergie transmise aux vivants.
Frédérique Goerig-Hergott - Commissaire de l'exposition
DE.
Gesang der Sterne
Die Ausstellung stellt die Kunst von Fabienne Verdier auf völlig neue Weise den Werken der großen Meister im Musée Unterlinden gegenüber. Die zwischen 2019 und 2022 entstandenen Arbeiten sind das Ergebnis einer intensiven Auseinandersetzung der Künstlerin mit diesen Meisterwerken, insbesondere dem Isenheimer Altar (1512–1516).
Die erste Hälfte zeigt eine Auswahl wichtiger Gemälde der Künstlerin aus den Jahren 2006 bis 2018 im Dialog mit klassischen und modernen Kunstwerken aus den ständigen Sammlungen des Museums. Dem schließen sich im Ausstellungssaal des Ackerhofs die monumentale Installation Rainbows mit 76 Gemälden sowie das Polyptychon Großer Vortex von Unterlinden an. In dem während des Pandemiejahrs 2020 entstandenen Gemälde zieht Fabienne Verdier einen Vergleich zwischen dem menschlichen Sterben und dem Tod von Sternen: Die von sterbenden Sternen ausgehende Lichtaura übertr.gt sie in eine Darstellung des Todes als eine an die Lebenden übertragene Energie.
Frédérique Goerig-Hergott
ENG.
The Song of Stars
The exhibition looks at Fabienne Verdier’s art in a new way, in juxtaposition with the work of the great masters at the Musée Unterlinden. It bears witness to the artist’s encounter between 2019 and 2022 with the museum’s masterpieces, including the Isenheim Altarpiece (1512-1516).
Designed in two stages, the exhibition initially presents a selection of significant works by the artist, painted between 2006 and 2018, in dialogue with chosen works of historic and modern art. It continues in the Ackerhof exhibition gallery, presenting the monumental Rainbows installation (76 paintings) and the Great Vortex of Unterlinden (polyptych). Created in the context of the 2020 pandemic, it likens the end of life in humans to the fate of the stars: by portraying the aura of light created by the death of stars, Fabienne Verdier approaches the representation of death as an energy transmitted to the living.
Frédérique Goerig-Hergott
1
Cetus. Série Ainsi la nuit, 2018
Cloître | Niveau 0 | Salle d’orientation
Walfisch. Serie So die Nacht, 2018
Kloster | Ebene 0 | Salle d’orientation
Cetus. Series Thus the Night, 2018
Cloître | Level 0 | Orientation Hall
En prélude à l’exposition, la salle d’orientation du musée présente le triptyque Cetus issu de la série Ainsi la Nuit peinte par Fabienne Verdier entre 2017 et 2018. À partir des années 2010, l’artiste met au point une nouvelle technique pour ses Walking paintings, tableaux de promenades. Se déplaçant sur la toile, la traversant d’un bout à l’autre, elle guide l’écoulement de la peinture à partir d’une poche à douille. Fabienne Verdier s’inspire ici des ondes sonores du quatuor à cordes Ainsi la nuit (1971-1977) d’Henri Dutilleux. Les structures abstraites de la musique l’amènent à explorer les déambulations nocturnes inspirées par le mouvement des astres. Sur fond bleu éclatant, l’épaisse matière trace comme la ligne d’horizon d’un paysage cosmique et mystérieux.
Als Auftakt der Ausstellung ist in der Salle d’orientation des Museums das Triptychon Cetus aus der von Fabienne Verdier zwischen 2017 und 2018 gemalten So die Nacht (Ainsi la nuit) zu sehen. Seit den 2010er-Jahren setzt die Künstlerin eine neue Technik für ihre Walking paintings ein, ihre im Gehen gemalten Bilder. Während sie sich über die am Boden liegende Leinwand bewegt, lässt sie gezielt Farbe aus einem Spritzsack fließen. Fabienne Verdier ließ sich bei diesem Werk von akustischen Schwingungen des Streichquartetts Ainsi la nuit (1971–1977) von Henri Dutilleux inspirieren. Die abstrakten Strukturen der Musik regten sie dazu an, die nächtlichen Bahnen der Gestirne am Himmel zu verfolgen. Auf leuchtend blauem Grund durchzieht die pastose Farbe die Leinwand wie die Horizontlinie einer kosmischen, geheimnisvollen Landschaft.
As a prelude to the exhibition, the museum’s orientation hall presents the triptych Cetus from the series Thus the Night (Ainsi la nuit) painted by Fabienne Verdier between 2017 and 2018. From the 2010s, the artist developed a new technique for her Walking Paintings. Moving across the canvas, from one side to the other, she guided the flow of the paint from a piping bag. Fabienne Verdier’s inspiration here was the sound waves of Henri Dutilleux’s string quartet Ainsi la nuit (1971-1977). The abstract structures of music encouraged her to explore nocturnal perambulations inspired by the movement of the stars. Against a brilliant blue background, the thick paint traces what resembles the horizon line of a cosmic, mysterious landscape.
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Sedes Sapientiae II, Sedes Sapientiae V, Petit Sang du Christ, 2011
Cloître | Niveau 0 | Salle nº 0.5
Sitz der Weisheit II, Sedes Sapientiae V, Blut Christi, 2011
Kloster | Ebene 0 | Saal Nr. 0.5
Sedes Sapientiae II, Sedes Sapientiae V, Small Blood of Christ, 2011
Cloître | Level 0 | Room nº 0.5
Ces toiles témoignent du rapport de filiation qu’entretient Fabienne Verdier avec les maîtres anciens de la peinture occidentale. Lorsqu’elle se confronte aux peintres du 15e siècle, elle analyse les structures sous-jacentes des compositions figuratives, qu’elle transpose par l’abstraction. Par un large trait vertical, elle se réfère dans ses Sedes sapientiae, trône de la sagesse, à la représentation de la Vierge chez Jan van Eyck. Par un triangle inachevé, elle évoque la figure sacrée et vibratoire de la Vierge telle qu’elle apparait chez Martin Schongauer. Dans le Petit Sang du Christ, elle se concentre sur la plaie et le sang qui s’en écoule comme un flux vital. Elle suggère le caractère spirituel et iconique du sujet par le dynamisme de la matière et la symbolique des couleurs rouge et or.
Diese Gemälde zeugen vom Einfluss der großen Meister der westlichen Malerei im Schaffen von Fabienne Verdier. Bei ihren Studien zur Malerei des 15. Jahrhunderts analysierte sie vor allem die den figurativen Kompositionen zugrundliegenden Strukturen, die sie durch Abstraktion transponiert. Mit einem breiten vertikalen Strich bezieht sie sich in der Serie Sedes sapientiae (Sitz der Weisheit), auf die Darstellung der Madonna bei Jan van Eyck. Das nicht geschlossene Dreieck evoziert die heilige und schwingungsreiche Figur der Madonna, wie sie Martin Schongauer malte. In Blut Christi konzentriert sie sich auf die Stigmata und das Blut, das einem Lebensstrom gleich aus diesen rinnt. Die Dynamik der Farbmaterie und die Symbolik der Farben Rot und Gold verweisen auf den spirituellen und ikonischen Charakter des Sujets.
These canvases illustrate the connection between Fabienne Verdier and the Old Masters of Western painting. When she engaged with the work of 15thcentury painters, she analysed the underlying structures of their figurative compositions, which she transposed by means of abstraction. With a broad vertical stroke in these compositions entitled Sedes sapientiae (throne of wisdom), she refers to Jan van Eyck’s image of the Holy Virgin. With an incomplete triangle, she evokes the sacred, resonant figure of Martin Schongauer’s Holy Virgin. In her Small Blood of Christ, she focuses on the wound and the blood flowing from it like a vital essence. She suggests the spiritual and iconic character of the subject through the dynamism of her medium and the symbolism of the colours red and gold.
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Rainbows (Günesh, Ahu-Lani), 2022
Cloître | Niveau 0 | Salle nº 0.7 et Niveau 1 | Salle nº 1.5
Regenbogen (Günesh, Ahu-Lani), 2022
Kloster | Ebene 0 | Saal Nr. 0.7 und Ebene 1 | Saal Nr. 1.5
Rainbows (Günesh, Ahu-Lani), 2022
Cloître | Level 0 | Room nº 0.7 and Level 1 | Room nº 1.5
Ces deux toiles sont des Rainbows, des arcs-en-ciel, imaginés par Fabienne Verdier d’après le panneau de la Résurrection du Retable d’Issenheim. Réalisé entre 1512 et 1516 par Nicolas de Haguenau (sculptures) et Grünewald (peintures), le retable était présenté aux malades atteints d’ergotisme pour les apaiser et les consoler. À l’instar de Grünewald, Fabienne Verdier a conçu ces deux tableaux comme une méditation sur la lumière et la couleur. La composition de la première toile est centrée sur un foyer orangé, chargé de fines touches blanches, telles des étoiles lointaines. L’artiste est parvenue à créer une énergie, une chaleur émanant de la couleur. Sur la seconde toile, les touches blanches se répandent à l’extérieur d’un noyau central dans un mouvement d’expansion. Une lumière incandescente semble jaillir de ces oeuvres.
Diese beiden Gemälde gehören zur Serie Rainbows, die Fabienne Verdier nach der Tafel mit der Auferstehung der Isenheimer Altars geschaffen hat. Das zwischen 1512 und 1516 von Nikolas von Hagenau (Schnitzereien) und Matthias Grünewald (Tafelbilder) geschaffene Retabel sollte den am Antoniusfeuer erkrankten Menschen Linderung und Trost schenken. Nach dem Vorbild Grünewalds hat Fabienne Verdier die Bilder als eine Meditation über Licht und Farbe ersonnen. Das Zentrum des ersten Gemäldes bildet ein orangefarbenes Inneres, auf dem zarte weiße Flecken wie ferne Gestirne leuchten. Die Künstlerin erzeugt damit eine Energie, eine von der Farbe ausströmende Wärme. Auf dem zweiten Bild dehnen sich die weißen Flecken außerhalb des Zentrums in einer expandierenden Bewegung in den Raum hinein aus. Den Bildern scheint ein glühendes Licht zu entströmen.
These two paintings are Rainbows, imagined by Fabienne Verdier in response to the Resurrection panel of the Isenheim Altarpiece. Created between 1512 and 1516 by Niclaus of Haguenau (the sculptures) and Grünewald (the paintings), the altarpiece was presented to the sufferers of St Anthony’s fire as a source of calm and consolation. Like Grünewald, Fabienne Verdier designed these two paintings as a meditation on light and colour. The composition of the first canvas is centred on an orange-hued centre, packed with delicate white touches, like distant stars. The artist manages to create a sense of energy or heat emanating from the colour. On the second canvas, the white touches spread outside the central core in a movement of expansion. An incandescent light seems to project out from these works.
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Clavecin I, 2018
Cloître | Niveau 1 | Salle nº 1.2
Cembalo I (Deckel für ein Cembalo), 2018
Kloster | Ebene 1 | Saal Nr. 1.2
Harpsichord I (Harpsichord Lid), 2018
Cloître | Level 1 | Room nº 1.2
Le claveciniste et organiste Bernard Foccroulle a commandé à Fabienne Verdier une peinture pour orner le couvercle de son clavecin réalisé d’après le modèle du célèbre clavecin Ruckers (1624), du Musée Unterlinden. Ce tableau peint sur bois fait partie d’une série de 4 compositions différentes finalement livrées par l’artiste au musicien. Lors de ses concerts, l’instrumentiste alterne ces différents tableaux, proposant un voyage musical et visuel inédit dans l’histoire de cet instrument. Dans ce couvercle jaune, les mouvements ondulatoires de la peinture noire rappellent l’écriture musicale : comme sur les lignes d’une portée, les notes semblent défiler, s’accélérer en crescendo, puis ralentir et se disperser en diminuendo.
Der Cembalist und Organist Bernard Foccroulle hat bei Fabienne Verdier Malereien in Auftrag gegeben, die den Deckel seines nach dem Vorbild des berühmten Cembalos von Rückers (1624) im Musée Unterlinden gebauten Instruments zieren sollen. Die Künstlerin hat daraufhin vier unterschiedliche Kompositionen auf Holz geschaffen, zu denen auch diese Arbeit gehört. Bei seinen Konzerten wechselt der Musiker zwischen diesen Werken und lädt das Publikum zu einer besonderen musikalischen und visuellen Reise in die Geschichte des Instruments ein. Bei dieser Komposition auf gelbem Grund erinnert die geschwungene schwarze Malerei an eine Notierung: Wie auf deren Linien scheinen sich Noten in einem Crescendo zu anzuschwellen, um sich in einem Diminuendo wieder aufzulösen.
The harpsichord player and organist Bernard Foccroulle commissioned a painting from Fabienne Verdier to adorn the lid of his harpsichord, which was modelled on the Musée Unterlinden’s famous Ruckers harpsichord (1624). The painting on wood belongs to a series of four different compositions that the artist ultimately delivered to the musician. At his concerts, he alternates these different paintings to present a musical and visual journey that is unique in the history of the instrument. On this yellow lid, the undulating movements of the black paint remind us of musical notation: as if on the lines of a stave, the notes seem to pass by, accelerating in a crescendo, then slowing and dispersing in a diminuendo.
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Clairvoyance, 2006
Cloître | Niveau entresol | Salle nº E.3
Hellsehen, 2006
Kloster | Entresol | Saal Nr. E.3
Clairvoyance, 2006
Cloître | Mezzanine level | Room nº E.3
En écho à la Mélancolie (1532) de Lucas Cranach l’Ancien, cette oeuvre témoigne des réflexions existentielles de Fabienne Verdier et de sa capacité à faire la synthèse de ses influences. Cette toile concentre les caractéristiques essentielles de son oeuvre : l’usage de plusieurs châssis, les fonds monochromes, le geste se poursuivant audelà de la toile. Inspirée par son expérience artistique chinoise, la peintre opère à son retour en France en 1992, un changement radical dans sa pratique artistique. Hybridant les techniques et les matériaux d’Asie et d’Occident : la feuille de papier devient toile sur châssis de bois, l’encre de chine devient peinture acrylique, le petit pinceau de lavis se transforme en outil gigantesque. Faisant corps avec son pinceau sur la surface plane de la toile, l’artiste invente un nouveau langage en peinture.
In Anspielung an die Melancholie (1532) von Lucas Cranach dem Älteren spiegelt dieses Werk Fabienne Verdiers existentielle Gedanken wider und bezeugt ihre Fähigkeit, verschiedene Einflüsse miteinander zu verweben. Das Bild vereint die wesentlichen Merkmale ihres Schaffens: aus mehreren Leinwänden zusammengesetzte Bilder, monochrome Malgründe, die Geste, die über die Leinwand hinaus weiter geführt wird. Angeregt von ihren Erfahrungen in China unterzieht die Malerin bei ihrer Rückkehr nach Frankreich 1992 ihre Praxis einem radikalen Wandel. Techniken und Materialien aus Asien und dem Westen verschmelzen in ihrer Kunst: das Blatt Papier wird zur auf Holzrahmen aufgezogenen Leinwand, die Tusche zur Acrylfarbe, der kleine Lavierpinsel zum riesigen Malgerät. Eins mit dem Pinsel auf der ebenen Fläche der Leinwand erfindet die Künstlerin eine neue Sprache der Malerei.
Echoing Lucas Cranach the Elder’s Melancholy (1532), this work bears witness to Fabienne Verdier’s existential reflections and her ability to create a synthesis of her influences. The painting is a concentration of the essential characteristics of her work: the use of canvas on more than one stretcher, the monochrome backgrounds, the gesture continuing beyond the canvas. Inspired by her artistic experience in China, on her return to France in 1992, the painter made a radical change to her practice as an artist. Hybridising Asian and Western techniques and materials: the sheet of paper became a canvas on a wooden stretcher, Indian ink became acrylic paint, the small wash brush was transformed into a gigantic tool. Using her brush as an extension of her body on the flat surface of the canvas, the artist invented a new language in painting.
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Énergies blanches : Nuit fluide, Remonter le fleuve, Ascendance, Trilogie, Fendre les flots, Synchronie, 2018
Galerie | Niveau -1 | Salle nº 1.2
Weiße Energien: Fließende Nacht, Flußaufwärts, Abstieg, Trilogie, Die Fluten teilen, Synchronie, 2018
Galerie | Ebene -1 | Saal Nr. 1.2
White Energies: Fluid Night, Up the River, Ascendance, Trilogy, Slicing through the Waves, Synchrony, 2018
Galerie | Level -1 | Room nº 1.2
Fabienne Verdier ne cherche jamais à représenter la réalité, mais plutôt à créer un rapport entre les formes du monde qui nous entourent et celles qui surgissent de ses toiles. La série des Énergies blanches en est un exemple frappant. Au coeur de la Maison, espace centrale et emblématique du Musée Unterlinden, ces 6 dytiques témoignent des forces vitales de la nature : le dynamisme du vent, de l’eau de la pluie, des vagues ; les ondes et les vibrations des ruisseaux, des fleuves et des océans. Chaque toile est née de ces captations de mouvements spontanés. Sur certains tableaux, les coups de pinceaux foisonnent, se superposent comme par cadences successives et se poursuivent au-delà de la toile, nous invitant à fusionner avec les énergies du monde.
Fabienne Verdiers Streben liegt nie darin, die Realität darzustellen, sie will vielmehr eine Beziehung zwischen den uns umgebenden Formen der Welt und jenen Formen herstellen, die aus ihren Bildern aufscheinen. Die Serie Énergies blanches (Weiße Energien) bildet dafür ein frappierendes Beispiel. Inmitten der Petite Maison, dem zentralen und emblematischen Ausstellungsraum des Musée Unterlinden, zeugen diese sechs Diptychen von den Lebensenergien in der Natur: der Dynamik von Wind, Regenwasser und Wellen; den Wellen und Schwingungen in Bächen, Flüssen und Ozeanen. Jede Leinwand ist aus den Regungen des Lebens geboren. In einigen Bildern überlagern sich die Pinselstriche wie in aufeinanderfolgenden Rhythmen und reichen über die Leinwand hinaus. Sie laden uns dazu ein, uns auf Energien der Welt einzustimmen.
Fabienne Verdier never seeks to represent reality, but rather to create a relationship between the forms of the world around us and those that emerge on her canvases. Her White Energies series is a striking example of this. At the heart of the Petite Maison, a central and emblematic space within the Musée Unterlinden, these six diptychs present the vital forces of nature: the dynamism of wind, rainwater and waves; the waves and vibrations of streams, rivers and oceans. Each canvas was born out of this idea of capturing spontaneous movements. In certain paintings, we see a profusion of brushstrokes, overlaid as if in a succession of rhythms and continuing beyond the canvas, inviting us to merge with the energies of the world.
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Dormition, 2012
Galerie | Niveau -1 | Salle nº 1.3
Entschlafung, 2012
Galerie | Ebene -1 | Saal Nr. 1.3
Dormition, 2012
Galerie | Level -1 | Room nº 1.3
Cette oeuvre fait partie d’une série de tableaux réalisées par Fabienne Verdier entre 2009 et 2012. Elle est inspirée de La dormition de la Vierge de Hugo van der Goes qu’elle représente par une trace de lumière blanche en lévitation. L’oeuvre entre ici en dialogue avec le Lévite d’Éphraïm (1895) de Jean-Jacques Henner, évoquant une représentation et une interprétation spirituelle et mystérieuse de la mort. À l’instar de van der Goes et de Henner, Verdier oppose les tons sombres de l’arrièreplan à la blancheur du corps. Elle figure l’instant de la mort, par l’horizontalité du trait. La peintre parvient à synthétiser la lumière et l’énergie vitale avec une palette et un geste minimal, comme un trait d’union entre deux mondes.
Dieses Werk ist Teil einer zwischen 2009 und 2012 entstandenen Serie und vom Tod Mariä des Hugo van der Goes inspiriert, die sie durch eine zeichenhafte Spur von weißem aufsteigenden Licht darstellt. Das Werk steht hier Jean-Jacques Henners Der Levit von Ephraim (1895) gegenüber und bietet eine spirituelle und geheimnisvolle Darstellung und Interpretation vom Sujet des Todes. Wie Van der Goes und Henner setzt Verdier hier die Weiße des Körpers zu den dunklen Tönen des Hintergrunds in Kontrast. Dem Moment des Todes entspricht der Horizontalität des Striches. Die Malerin erschafft hier mit minimaler Palette und Geste eine Synthese aus Licht und Lebensenergie – ein Bindestrich zwischen zwei Welten.
This work belongs to a series of paintings created by Fabienne Verdier between 2009 and 2012. It was inspired by The Dormition of the Virgin by Hugo van der Goes, which she represents by means of a levitating trace of white light. The work here is placed in dialogue with Jean-Jacques Henner’s Levite of Ephraim (1895), evoking a spiritual, mysterious representation and interpretation of death. Like van der Goes and Henner, Verdier sets the sombre tones of the background against the whiteness of the body. She represents the moment of death through the horizontality of her line. The painter is able to synthesise the light and vital energy with a minimal palette and gesture, like a hyphen connecting two worlds.
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Les carnets d’atelier, 2019 – 2022
Galerie | Niveau -1 | Salle nº 1.3
Notiz- und Skizzenbücher, 2019 – 2022
Galerie | Ebene -1 | Raum Nr. 1.3
The studio notebooks, 2019 – 2022
Galerie | Level -1 | Room nº 1.3
Fabienne Verdier travaille à la fois dans son atelier de peintre et dans sa bibliothèque. Les planches présentées ici retracent page après page, les pensées et les réflexions qui l’ont nourri tout au long de son projet pour le musée. Construites par analogies, de manière riche et hétéroclite, ces planches se composent d’esquisses, de collages et d’inscriptions. Les carnets d’atelier sont comme un refuge et un laboratoire pour l’artiste. On y découvre de manière intimiste, un être qui cherche à comprendre le monde, les lois de la nature et à donner un sens à sa création et à l’existence par l’observation et la lecture des grands penseurs (artistes, philosophes, linguistes, écrivains, scientifiques).
Fabienne Verdiers Kunst entsteht in ihrem Malatelier und in ihrer Bibliothek. Die hier ausgestellten Seiten vergegenwärtigen ihre Gedanken und Überlegungen während der Entstehung dieses Projekts. Aus Skizzen, Collagen und verschrifteten Gedanken entwickeln sich dabei vielschichtige Analogien. Die Notiz- und Skizzenbücher sind für die Künstlerin Refugium und Labor zugleich. Man entdeckt darin die intime Seite des Schaffensprozesses, ein Wesen, das die Welt, die Naturgesetze zu verstehen und seinem Schaffen und seiner Existenz durch die Auseinandersetzung mit den Werken großer Künstler: innen, Philosoph: innen, Linguist: innen, Schriftsteller: innen und Wissenschaftler: innen einen Sinn zu geben sucht.
Fabienne Verdier works both in her painter’s studio and in her library. Page by page, the sheets presented here chart the thoughts and reflections that fuelled her throughout her project for the museum. Constructed on the basis of analogies, with a richness and diversity of content, the sheets are composed of sketches, collages and written text. The studio notebooks represent a refuge and a laboratory for the artist, giving an intimate insight into an individual’s quest to understand the world and the laws of nature and to give a meaning to its creation and existence through the observation and reading of the great thinkers (artists, philosophers, linguists, writers, scientists).
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Ceinture de Saint Luc II, 2012
Ackerhof | Niveau 1 | Salle nº 1.1
Gürtel des hl. Lukas II, 2012
Ackerhof | Ebene 1 | Sall Nr. 1.1
Belt of St Luke II, 2012
Ackerhof | Level 1 | Room nº 1.1
Ce triptyque fait référence au tableau Saint Luc dessinant la Vierge d’après Rogier van der Weyden et en particulier au détail de la ceinture. Il est composé de panneaux peints dont les épaisseurs diffèrent légèrement, créant ainsi un relief et une profondeur. Le traitement du fond monochrome est réalisé grâce à une superposition de nombreuses couches de peinture transparentes (glacis), créant un mélange de teintes lumineuses et denses. Il peut être comparé avec la Composition murale (1965-1967) de Serge Poliakoff par sa forme (polyptyque, peinture abstraite), la multiplicité des couches picturales, la profondeur, la référence au sacré et à la spiritualité.
Dieses Triptychon steht mit dem Gemälde Der hl. Lukas zeichnet die Madonna nach Rogier van der Weyden in Verbindung, insbesondere mit dem darin abgebildeten Gürtel. Es besteht aus mehreren Tafeln leicht unterschiedlicher Dicke, was dem Bild eine reliefartige Oberfläche und eine Tiefe verleiht. Auf den monochromen Grund sind mehrere Schichten transparenter Lasuren gelegt, die eine Mischung aus leuchtenden und dichten Tönen erzeugen. Das Werk lässt sich formal (Polyptychon, abstrakte Malweise) sowie durch die zahlreichen Malschichten, die Tiefe und die Hinwendung zum Sakralen und Spirituellen mit der Composition murale (1965-1967) von Serge Poliakoff in Beziehung setzen.
This triptych makes reference to the painting St Luke Drawing the Virgin after Rogier van der Weyden and in particular to the detail of the belt. It is composed of painted panels differing slightly in thickness, so as to create relief and depth. The treatment of the monochrome background was achieved by overlaying numerous coats of transparent paint (glazes), creating a mixture of luminous and dense shades. It can be compared with Serge Poliakoff’s Mural Composition (1965-1967) in terms of its form (polyptych, abstract painting), its multiple layers of paint, its depth and its reference to spirituality and the sacred.
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Vide vibration, 2018
Ackerhof | Niveau 1 | Salle nº 1.1
Leere Schwingung, 2018
Ackerhof | Ebene 1 | Saal Nr. 1.1
Void Vibration, 2018
Ackerhof | Level 1 | Room nº 1.1
Ce triptyque est né de la rencontre de Fabienne Verdier avec le linguiste Alain Rey, dans le cadre de l’édition du 50e anniversaire du dictionnaire Le Robert. Elle réalise alors 22 toiles nées des rapports que l’artiste établit entre des couples de mots : Cercle-Cosmos, Force-Forme, Voix-Vortex ou encore Vide-Vibration. À l’occasion de ses échanges avec l’astrophysicien Trinh Xuan Thuan, l’artiste découvre que le vide n’existe pas et que notre univers est rempli d’énergie, d’une multitude d’atomes en mouvement. Elle peint alors sur ses toiles des ondes d’énergies qui dansent ensemble, s’agrègent : chaque impulsion de matière semble annoncer la suivante. En écho aux formes cellulaires cernées de noir de Jean Dubuffet qui s’accumulent, se rependent et prolifèrent dans ses oeuvres et dans l’espace, le langage de Fabienne Verdier décrit l’énergie du monde en expansion et en devenir.
Dieses Triptychon entstand aus der Begegnung zwischen Fabienne Verdier und dem Linguisten Alain Rey im Rahmen der Jubiläumsausgabe zum 50. Geburtstag des Wörterbuches Le Robert. Aus dieser Zusammenarbeit entstanden 22 Gemälde, in denen die Künstlerin sich von Wortpaaren inspirieren ließ, zum Beispiel Cercle-Cosmos [Kreis-Kosmos], Force-Forme [Kraft-Form], Voix-Vortex [Stimme-Sog] oder Vide-Vibration [Leere Schwingung]. In Gesprächen mit dem Astrophysiker Trinh Xuan Thuan erkannte Verdier, dass die Leere nicht existiert und unser Universum mit Energie angefüllt ist, mit unzähligen Atomen in Bewegung. In ihren Bildern malt sie Energiewellen, die miteinander tanzen, sich miteinander verbinden: Jeder Materieimpuls scheint den nächsten anzukündigen. In Anlehnung an die schwarz umrandeten Zellenformen bei Jean Dubuffet, die sich in dessen Werken und im Raum aneinanderfügen, verteilen und vervielfältigen, beschreibt die Bildsprache von Fabienne Verdier die Energie der Welt als ein Sich- Ausdehnen und Werden.
This triptych resulted from Fabienne Verdier’s encounter with the linguist Alain Rey, as part of the 50th-anniversary edition of the famous French dictionary Le Robert. For the project, she created 22 paintings born from the relationships the artist established between pairs of words: Circle-Cosmos, Force-Form, Voice-Vortex or Void- Vibration. During her exchanges with the astrophysicist Trinh Xuan Thuan, the artist discovered that the void does not exist and our universe is filled with energy, a multitude of atoms in motion. In response, she painted waves of energy dancing and aggregating together on her canvases: each impulse of matter seeming to announce the next. Echoing Jean Dubuffet’s cellular forms outlined in black that accumulate, spread and proliferate in his works and in space, Fabienne Verdier’s language describes the world’s energy expanding and developing.
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Ascèse, 2012
Ackerhof | Niveau 1 | Salle nº 1.1
Askese, 2012
Ackerhof | Ebene 1 | Raum Nr. 1.1
Asceticism, 2012
Ackerhof | Level 1 | Room nº 1.1
Pour Fabienne Verdier l’acte de peindre est un véritable combat. Le placement du corps de l’artiste par rapport à la toile n’est pas anodin. Cela est particulièrement vrai pour Ascèse où elle se positionne au centre de la toile, accompagnée de son pinceau suspendu. Tels les sumos qui tracent un cercle autour leurs corps avant un combat, l’artiste trace en peinture autour d’elle un espace, un champ d’action. La figure du cercle, forme n’ayant ni début ni fin, tracé d’un seul mouvement, occupe une place prédominante dans l’oeuvre de la peintre. Il symbolise pour elle, à la fois le vide et l’infini. Ici, Fabienne Verdier joue sur les contrastes des effets de matières. Une grande lumière se dégage du fond or s’opposant à la matité du cercle noir.
Für Fabienne Verdier kommt der Akt des Malens einem Kampf gleich. Die Position, die die Künstlerin gegenüber der Leinwand einnimmt, ist keineswegs zufällig. Das wird vor allem in dem Werk Ascèse deutlich bei dem sie sich mit dem aufgehängten Pinsel in die Mitte der Malfläche stellte. So wie Sumoringer vor dem Kampf einen Kreis um ihren Körper beschreiben, beschreibt die Künstlerin in der Malerei einen Raum um ihren Körper, einen Handlungsraum. Die Figur des Kreises, Form ohne Anfang und ohne Ende, in einer einzigen Bewegung gemalt, nimmt einen wichtigen Platz im Werk der Malerin ein. Für sie symbolisiert sie beides, das Leere und das Unendliche. Hier spielt Fabienne Verdier mit den Kontrasten, die sich aus den Effekten der Farbmaterie ergeben. Aus der Tiefe steigt ein Licht auf, das im Gegensatz zum matten Glanz des schwarzen Kreises steht.
For Fabienne Verdier, the act of painting is a genuine battle. The placement of the artist’s body in relation to the canvas is no accident. This is particularly true of Asceticism, in which she positioned herself in the centre of the canvas with her hanging paintbrush. Like sumo wrestlers who trace a circle around their bodies before a bout, the artist marked out a space, a field of action, around her in paint. The figure of the circle, a form with no beginning or end, drawn in a single movement, occupies a predominant place in the painter’s art. She sees it as a symbol of both the void and the infinite. Here, Fabienne Verdier plays on the contrasts in the effects of her media. A great light emanates from the gold background, contrasting with the matt quality of the black circle.
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Rainbows, 2019 – 2022
Ackerhof | Niveau 1 | Salle nº 1.1
Regenbogen, 2019 – 2022
Ackerhof | Ebene 1 | Raum Nr. 1.1
Rainbows, 2019 – 2022
Ackerhof | Level 2 | Room nº 2.1
Dans cet espace se déploie l’installation monumentale intitulée Rainbows, arcs-en-ciel. La terrible pandémie ayant couté la vie à plusieurs millions de personnes, a transformé le regard de Fabienne Verdier sur sa peinture et sur l’oeuvre de Grünewald. Pendant près de trois ans, isolée dans son atelier, elle s’est consacrée à la création de cette installation colossale, née de ses réflexions existentielles. Chaque tableau représente un individu portant un prénom en lien avec le ciel, les étoiles ou la lumière (prénoms du monde entier recensés par une équipe de linguistes). Ces portraits célèbrent les âmes disparues et prennent la forme de halos de lumières : icônes de consolation et allégories du passage entre la vie et la mort. Ce champ d’humanité forme une constellation d’étoiles irradiantes dans un espace devenu sacré.
Die monumentale Installation Rainbows (Regenbogen) nimmt den gesamten Raum ein. Die Coronapandemie, während der Millionen von Menschen ihr Leben verloren, hat den Blick von Fabienne Verdier auf ihre Malerei und das Werk von Grünewald verändert. Über einen Zeitraum von beinahe drei Jahren entstand in der Isolation ihres Ateliers aus ihren Gedanken zur menschlichen Existenz ein beeindruckendes Ensemble. Jedes Bild stellt ein Individuum dar, dessen Vorname einen Bezug zum Himmel, den Sternen oder dem Licht aufweist – die Vornamen wurden von einem Team aus Linguist:innen aus der ganzen Welt zusammengetragen. Diese Porträts erinnern an die entschwundenen Seelen und besitzen die Form von Lichthöfen/Halos: Trost spendende Ikonen und Allegorien des Übergangs vom Leben zum Tod. Das Ensemble bildet eine leuchtende Sternenkonstellation in einem Raum von sakraler Wirkung/sakral aufgeladenen Raum.
This space is occupied by the monumental installation entitled Rainbows. The terrible pandemic that cost the lives of several million people transformed Fabienne Verdier’s perspective on her painting and on Grünewald’s work. Over nearly three years, isolated in her studio, she devoted herself to the creation of this colossal installation born out of her existential reflections. Each painting represents an individual bearing a forename linked to the sky, the stars or light (names from all around the world catalogued by a team of linguists). These portraits celebrate the souls who have been lost and take the form of haloes of light: icons of consolation and allegories of the passage between life and death. This field of humanity forms a constellation of stars radiating in what has been transformed into a sacred space.
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Grand Vortex d’Unterlinden, 2021 – 2022
Ackerhof | Niveau 2 | Salle nº 2.1
Großer Vortex von Unterlinden, 2021 – 2022
Ackerhof | Ebene 2 | Raum Nr. 2.1
Great Vortex of Unterlinden, 2021 – 2022
Ackerhof | Level 2| Room nº 2.1
Ce grand vortex, synthèse des Rainbows placés sur les murs latéraux, propose une élévation vertigineuse. Il est inspiré du mouvement ascensionnel du drapé tournoyant du Christ de la Résurrection de Grünewald. Dans la nature, les vortex sont des phénomènes physiques et météorologiques tourbillonnaires. Ils sont aussi acoustiques et présents au coeur de l’humain (ADN). En 2014, l’artiste avait commencé à travailler sur ces formes dynamiques en rapport au souffle et aux vibrations sonores (collaboration avec des chanteurs d’opéra à la Juilliard School, New-York). Entre terre et ciel, ce grand vortex ascensionnel, symbolise pour l’artiste la transmutation des corps en esprits, leur dissolution dans l’espace, un retour aux origines de l’univers. Il représente la synthèse de la recherche picturale de l’artiste.
Der große, in schwindelerregende Höhe aufsteigende Wirbel – eine Synthese der an den Seitenwänden ausgestellten Serie Rainbows – spiegelt den Aufwärtssog des Grabtuchs Christi in Grünewalds Altarbild der Auferstehung wider. In der Natur, in Physik und Meteorologie, sind Wirbel kreisförmige Strömungsphänomene in Luft und Fluiden. Doch können auch der Schall und unsere DNA die Form eines Wirbels annehmen. 2014 begann die Künstlerin mit diesen dynamischen Formen im Kontext von Klangwellen zu arbeiten (mit Opernsänger:innen an der Juilliard School in New York). Als Verbindung zwischen Himmel und Erde symbolisiert dieser große aufsteigende Wirbel für die Künstlerin die Transmutation der Körper in eine geistige Form, ihre Auflösung im Raum, eine Rückkehr zu den Ursprüngen des Universums. Er ist der Bild gewordene Ausdruck der künstlerischen Suche im Schaffen der Malerin.
This great vortex, a synthesis of the Rainbow paintings on the side walls, creates a vertiginous movement of elevation. It was inspired by the ascending movement of the swirling drapery clothing the figure of Christ in Grünewald’s Resurrection. In nature, vortices are physical, meteorological phenomena characterised by swirling motion. They can also be acoustic and a fundamental part of human beings (DNA). In 2014, the artist began to work with these dynamic forms in relation to breath and sound vibrations (collaboration with opera singers at the Julliard School in New York). For the artist, this great ascensional vortex between earth and heaven symbolises the transmutation of bodies into spirits, their dissolution in space, a return to the origins of the universe. It represents a synthesis of her pictorial research.
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► Le Chant des étoiles, film, 2022
Piscine Ackerhof | Niveau 1
► Gesang der Sterne, film, 2022
Pool Ackerhof | Ebene 1
► The Song of Stars, film, 2021
Pool Ackerhof | Level 1